服装插画比赛-服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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不知道现在画什么画可以挣钱?其实挺简单的,你可以自己测试一下,下面一起来看看:

1、插画挣钱门坎最低的是画儿童插画。

2、每年都会有的活儿就是各种经典童话的重新绘制。

你以此能挣钱吗?

选一本画面比较简单的童话,比如《小红帽》《彼得兔》,然后自己试试能不能画出来,再在网上搜一下别人的版本,比较一下差别会不会太大。如果可以画出来的话,就算是有了最低的入门技能吧。不过还得计算一下时间,这种活儿不是艺术创作,只是卖苦力,按时按量交货。

一本绘本也就给个十来天,半个月的样子。

如果能画,但是极为痛苦,想来你也能对自己画画赚钱的热情有一个重新的评估。

延伸阅读:为什么毕加索的画卖得贵

提起天才画家梵高与毕加索,恐怕是无人不知、无人不晓。可他们生前的境遇却有着天壤之别。屡次更换工作的梵高最终投身于绘画。在他与高更合作失败后,饱受精神疾病的困扰,亲手割下了自己的耳朵。这也许是他一生中最著名的片段。梵高是在弟弟提奥的理解与支持下进行艺术创作的,但在他多达2000幅的画作中,能在生前卖出去的却仅有一幅。

与梵高相比,毕加索则要幸运得多。他的成功不仅与其卓越的绘画才能有关,更与他的人生经历有着密切的关系。7岁的毕加索在身为美术教师的父亲的引领下步入了艺术殿堂,并展现出了惊人的艺术天赋。后来,手把手教他画画的父亲说“我已经不能再教儿子画画了。”这充分地表现出毕加索非凡的绘画才能。

更令人惊奇的是,以91岁高龄辞世的毕加索为后世留下了超过7万幅画作。此外,他还拥有多所豪宅和巨额现金。他的遗产总值约为7500亿日元(约395亿人民币)。在美术史上,生前就能拥有如此多的财产的画家,从古至今,仅此一人。

这两位大画家的命运为什么相差这么大呢?我想这是因为毕加索对“金钱”更感兴趣。

毕加索的金钱观

毕加索在出售自己的画作方面是个天才。每当他有了新作,他就会召集几十名熟识的画商参加他的画展。而且,在展览会上,他会将作品的创作背景和创作意图详细地讲给大家听。

人们更希望购买的是和画作有关的故事。毕加索这样做就是在利用竞争原理把作品的价钱炒上去。这种把作品的价值转换成价格的方法,也就是今天广为人知的“货币化”过程。

据说,毕加索即使购买生活用品也喜欢用支票付款。他为什么要这样做呢?其实,这里面有个小秘密。毕加索是位声名显赫的画家。如果他用支票购物,得到支票的店主会怎样处理那张支票呢?毕加索认为,店主与其拿着这张支票去银行兑换现金,倒不如将这张有他亲笔签名的支票当作艺术品,拿去装饰房间或者收藏起来。于是,为了不让店主们拿支票去兑换现金,毕加索就用支票去结账,这实际上相当于毕加索没花金钱就“买”到了东西。

现在您该知道毕加索是怎样自抬身价,怎样用名声换取更多的金钱了吧。他的方法用现代金融术语来讲就是“信用创造”和“变现”。

法国波尔多地区木桐酒庄(ChateauMoutonRothschild)出产的高级葡萄酒享誉世界。这种每瓶标价约为5万日元(约合人民币2635元)的高级葡萄酒,自1945年起,每年都使用不同的图案作为酒标,其1973年的酒标就是由毕加索设计的。可是,酒商并不是用金钱支付毕加索的设计费用,而是用葡萄酒。所以毕加索设计的酒标获得的评价越高,葡萄酒的卖价就越高。而作为稿酬的葡萄酒,无论是毕加索留下来自己喝还是拿出去卖,毋庸置疑,它都具有极高的价值。这称得上是毕加索和葡萄酒商双赢的案例。

顺便说一下,木桐酒庄的全名为木桐罗斯柴尔德酒庄。显而易见,它指的就是雄踞犹太金融宝座的罗斯柴尔德家族。木桐酒庄的庄主菲利普罗斯柴尔德男爵每年都会邀请包括毕加索在内的众多著名画家为葡萄酒设计酒标。从这一举措我们可以看出,他对金钱也有着深刻的理解。

毕加索和罗斯柴尔德都知道,在诚信的平台上,即使不花金钱也能进行价值交换。而且这样的价值交换往往能表现出无法用金钱衡量的本质与意义。所以说,经济未必离不开金钱。顶级的金钱达人往往就是那些不用花金钱就能把事情处理得很好的'人。

巴勃罗迭戈何塞圣迪亚哥弗朗西斯科德保拉居安尼波莫切诺克瑞斯皮尼亚诺德罗斯瑞米迪欧斯西波瑞亚诺德拉圣蒂西玛特林尼达玛利亚帕里西奥克里托瑞兹布拉斯科毕加索。

这是毕加索的全名。据说,在毕加索的故乡DD西班牙南部的马拉加,那里很多人也有这么长的名字。当地人在起名时,除了会把祖先的名字加进去,还喜欢把和自己关系近密的亲友的名字加进去。这样做的结果就是人们的名字越来越长。听说就连毕加索本人也记不住自己的全名。

西班牙人如此热衷于把别人的名字加入自己的名字,其真实目的是想拉近自己与对方的关系。他们都非常清楚构建诚实可靠的人际关系的重要性。在他们看来,金钱只不过是减少人际交往时所产生的摩擦的润滑剂罢了。

幸福是愿望实现后的状态

毕加索说过这样一句话:“我画的不是事物的表象,而是不能用肉眼看出的本质。”因此,我们有必要了解金钱的本质。否则,我们将无法掌控自己的命运,更不能幸福地生活。

金钱的多少和人是否拥有幸福并没有直接的关系。因为幸福是愿望实现后的状态。要想得到幸福,人不仅要有足够的金钱还要有强大的意志力。对于金钱这个既寻常又奇妙的存在,人在年轻时就应该培养出能够俯视它的能力。这样才能将金钱视作生产某物的“原材料”,才能更好地驾驭它。

评价一名创业者成功与否,重要的是要看他能创造出多少价值,具有怎样的思想,而不是看他积累了多少资产。在我看来,金钱就是创业用的“铅粉”。当我们不能顺畅地与人沟通时,金钱能为我们搭建起沟通的桥梁。

不过,价值交换的前提是诚信,有诚信做平台,金钱才有用武之地。我认为,除了购置必要的设备和支付报酬时需要金钱外,在其他情况下,金钱都不过是人际交往中的润滑剂。

随着时代的发展,金钱从最初的金属货币变成了纸币。而IT业的发展与网络的普及,又使金钱从纸币进化成了电子货币。我们与金钱见面的机会越来越少了,但账户里余额的变化控制着我们的喜怒哀乐。

而在全球化与信息化的影响下,“金融”将迎来翻天覆地的变化。伴随着金融的变化,人们对于饮食花费、人与人的相处模式,甚至是生活方式等概念的认识产生了分歧,而这些分歧正是应该引起我们的重新审视与思考之处。

将来,金钱会发生怎样的变化,我们又该如何与它打交道呢?我们之所以这样在乎金钱,是因为不想受制于它。人生应该是个不断创造的过程,人应该用已有的经验去改造世界。金钱,其实只是我们改造世界时用到的一个工具而已。

与其努力赚钱,不如去创造价值,用价值换取财富。当我们实现价值共享,并快乐地创造价值时,我们将迎来一个没有金钱的信用主义社会。在那样一个以诚信为本,人人都去创造价值的世界里,我们会活得更加幸福、更加快乐。

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫.唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫.唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!